La MAJ de la Prog' : Mai 2020
Vous aimez la lecture ? Car ce mois-ci, les biographies sont très détaillées chez nos amis anglais, et on les remercient ! Découvrez dès maintenant les nouveaux artistes diffusés sur TST Radio !
Tagada Jones
Déjà plus de 20 ans que Tagada Jones parcourt les scènes nationales et internationales avec son Punk-Hardcore. Le groupe à traversé 25 pays, produit 9 albums studio et brûlé les planches à plus de 1800 reprises ! Sans doute l’un des seuls combos Punk français à autant s’exporter en chantant dans sa langue natale. Tagada c’est aussi une conscience sociale, un engagement politique et surtout une référence en terme d’indépendance. Dignes héritiers de la scène alternative française, ils sont reconnus par leurs prédécesseurs (Bérurier Noir, Parabellum, Shériff...) comme étant l’incarnation du « Do it yourself » français. Si le combo a démarré sa carrière il y a un peu plus de vingt ans sous la forme d’un quatuor 100 % punk-rock, sa musique a connu quelques changements et notamment une orientation plus electro-punk durant quelques années avec l’arrivée d’un cinquième membre aux samples. Aujourd’hui le groupe est revenu à ses premiers amours et continue de composer une musique punk fidèle à ses racines, même si l’aspect électro-indus n’a pas totalement disparu. Le groupe couvre plus que jamais un spectre musical allant du punk anglais, des origines à sa version californienne des années 90, en passant par l’alternatif hexagonal des années 80 ou encore le métal et le hardcore. Des influences qui ont été parfaitement digérées pour aboutir finalement à une musique qui ne ressemble à rien d’autre qu’à du Tagada Jones ! Si la musique a évolué, elle reste immédiatement reconnaissable, notamment grâce à la voix de Niko, à son chant enragé et à ses textes militants. Des textes qui ont d’ailleurs connu eux aussi une certaine évolution mais qui restent très largement axés sur les problèmes sociétaux tel que le capitalisme, la mondialisation, l’oppression, les guerres, le racisme, l’écologie, la politique, les religions, les violences conjugales ou la liberté au sens large du terme... Les thèmes restent graves, la vision terriblement lucide, et l’ensemble brosse un portait plutôt sombre mais réaliste de la société actuelle. Trouvant le parfait équilibre entre conscience sociopolitique affûtée et virulence sonore, porté par des refrains fédérateurs, des guitares mordantes et des cœurs surpuissants, Tagada Jones s’impose en fer de lance de la scène punk-hardcore française. Toujours plus violent, plus revendicateur, plus pertinent et plus incisif : tel est le visage de Tagada Jones en 2017. Gonflé à bloc et armé d’un nouvel opus « La peste et le cholera » le groupe s’apprête à reprendre les routes pour dispenser à travers le monde sa saine et franche énergie rock’n’roll, propre à faire transpirer n’importe quel amateur de décibel lors de concerts mémorables, où le quatuor révèle toute la mesure de sa ferveur et de sa générosité. Rendez-vous dans la fosse !
Ricky Hollywood
// BIOGRAPHIE INTROUVABLE //
Blood Command
Blood Command est un groupe de punk rock originaire de Bergen, en Norvège. L'album précédent du groupe, Funeral Beach (2012) a reçu un 5/5 à Kerrang (ce qui les place également au n ° 8 de leur liste de fin d'année), 9/10 à Rock Sound et 5/6 dans la plupart des grands journaux norvégiens. Metal Hammer UK a décerné à l'album un 9/10, affirmant que Blood Command est l'un des meilleurs qu'ils aient entendu ces dernières années. En 2010, Blood Command a été nominé pour un Grammy norvégien pour leur premier album Ghostclocks.
1000mods
Après être passés de sous-sols enfumés à des arènes bondées, enfants de la désormais légendaire scène grecque de rock lourd underground du milieu des années 2000, 1000mods peuvent être considérés comme le groupe de rock grec le plus réussi de la dernière décennie. Issu à la fois des années 70 (non seulement en termes de composition mais également en raison de leur amour pour les équipements vintage et le son analogique) et des années 90 glorieuses, ils n'ont jamais hésité à mélanger toutes leurs influences (du rétro-rock et doom rock au heavy rock flou). et le rock spatial, même le grunge et la scène alternative) créant une recette unique de musique heavy explosive impossible à imiter. 1000mods propose des airs lourds inspirés, puissants et d'une fraîcheur unique, satisfaisant tout le monde, des stoners aux metalheads, depuis plus d'une décennie.
C'était en septembre 2011, lorsque «Super Van Vacation» a ouvert la voie. Le premier album complet des montagnes russes du heavy rock grec avait tout: des guitares lourdes bas de gamme, une section rythmique groovy-as-fuck décontractée et des lignes vocales trippantes, résultant en ce qui est maintenant considéré comme un classique pour le heavy européen. scène rock, ainsi qu'un changeur de jeu pour la musique rock grecque qui ne serait plus jamais la même. Les groupes et les fans allaient et venaient mais 1000mods étaient forts, suivant leur rêve, donnant l'exemple et inspirant toute une génération de musiciens. Leur deuxième album, intitulé «Vultures» (2014), a poursuivi l'héritage de «Super Van Vacation», composé de certains des grooves les plus épais du groupe à ce jour, ainsi que des éléments qui seront ensuite utilisés comme matière première pour la création de leur son personnalisé unique. Un pacte sacré a été coulé dans le béton: la scène grecque prendrait le relais et 1000mods lui ouvriraient la voie!
Avec une base de fans sans cesse croissante dans le monde entier, prenant à maintes reprises le sol européen par la force, en raison de leur calendrier de tournées incessant (ayant également participé aux plus grands festivals européens de rock et de métal), armé de dévouement et d'engagement continu, le Grec le quatuor de rock lourd est considéré à juste titre comme la puissance retrouvée de la scène rock européenne (certains disent «mondiale»). Loué par les fans, ainsi que par les médias de musique à fort trafic du monde entier, leur dernier album «Répétition de l'exposition à…» (2016) a été considéré par beaucoup comme un chef-d'œuvre de la scène rock lourd, et il est fortement dit qu'il est l'un des les albums qui ont changé le visage de la musique heavy rock européenne, une fois pour toutes. "Avec leur troisième long métrage, Repeated Exposure To…, les 1000mods de la Grèce affirment leur place à la tête du peloton du rock and roll lourd européen. Je veux dire sans qualification. Pas seulement le grec lourd, mais l'Europe dans son ensemble », explique l'Obélisque.
Ayant récemment élargi leur renommée aux États-Unis, ayant tourné avec succès pendant 35 jours et préparant actuellement le terrain pour leur toute première invasion australienne, 1000mods seraient, selon beaucoup, sur le point de percer! Étant extraordinairement explosif sur scène et fournissant toujours du matériel de haute qualité sur disque, en ce qui concerne à la fois l'écriture de chansons et la production sonore, il n'est pas surprenant que 1000mods aient réussi à créer un noyau de fans inconditionnels qui ne font que grandir de jour en jour journée. Plus lourds que la vie, psychédéliques, trippants, mélodiquement obsédants et dangereusement addictifs, les 1000mods feront sûrement vibrer votre corps, détourneront violemment votre esprit des choses et vous donneront occasionnellement des frissons dans le dos.
The Wild!
The Wild! crois toujours au rock n 'roll et après une écoute, vous aussi. Les quatuors rebelles du Great White North sont un mélange parfait de rock'n'roll swagger et de punkrock. Le troisième album du quatuor canadien, Still Believe in Rock N 'Roll, a été produit par Dylan Villain et le producteur / ingénieur de premier plan Mike Fraser (AC / DC, Metallica, Aerosmith), qui a été un grand champion du groupe depuis le début. En seulement quelques années, The Wild! ont réussi les classements Active Rock et iTunes Rock avec les meilleurs numéros, tout en enregistrant des kilomètres de route importants en Amérique du Nord et en Europe, en tournée avec des gens comme Airbourne, Steel Panther, Rose Tattoo, Godsmack et bien d'autres. Ils ont joué dans de grands festivals comme Carolina Rebellion, Welcome To Rockville, Wacken Open Air, Sweden Rock, etc. Au fil des ans, le groupe s'est toujours engagé à écrire des chansons qui enflamment leur show live à haute énergie. Dès le premier album, GxDxWxB (2015) jusqu'à la suite, Wild At Heart (2017) et surtout, Still Believe In Rock And All (2020). Le sauvage! sont des condamnés à perpétuité sur l'autoroute pavés par les nombreux grands groupes qui les ont précédés avec cœur, authenticité et un profond engagement dans ce qu'ils font.
The Orielles
Défiant face à la peur existentielle, les Orielles allaient toujours aborder leur deuxième album avec rien d'autre que des niveaux d'intention stellaires. Disco Volador voit les 4 pièces pousser leur horizon sonore à ses limites extérieures en tant que voyageurs astraux, faisant du stop sur la voie mélodique pour échapper au continuum espace-temps à travers une collection pointue de symphonies strato-pop progressives. «Son interprétation littérale de l'espagnol signifie un disque volant, mais tout le monde vit les choses différemment. Disco Volador pourrait être un frisbee, un OVNI, une boîte de nuit extraterrestre ou comment vous vous sentez lorsque vous volez; ce qui arrive à votre corps physiquement ou ce buzz euphorique d'une grande fête », suggère le bassiste et chanteur Esme. «Mais c'est un album d'évasion; si j'allais dans l'espace, je ne reviendrais peut-être pas. » Voyageant à travers la samba cinématographique, la discothèque des années 70, les boogies funk profonds, les grooves dansants et même trébuchant sur l'acid house des années 90, Disco Volador est sur le point de propulser les Orielles en rotation sur une orbite de gravité zéro supérieure. Écrit et enregistré en seulement 12 mois, il capture l'élan de la vitesse de distorsion de leur succès après le premier album de Silver Dollar Moment; une tournée estivale inoubliable, jouant des festivals comme Green Man et bluedot, et approfondissant leur lien tout en étant témoin des décors de leurs héros Stereolab, Mogwai et Four Tet. Les vibrations du catalogue de la bibliothèque de Disco Volador proviennent d'un groupe qui rodent et élargissent leur vivier de découvertes musicales, que ce soit en faisant un clin d'œil aux maestros de musique de film italien Sandro Brugnolini et Piero Umiliani, ou aux tons moyen-orientaux de Khruangbin et Altin Gün. "Toutes les influences que nous avons eues lors de l'écriture de ce disque étaient présentes lorsque nous l'avons enregistré, nous avons donc complètement compris ce que nous voulions que cet album se sente et pourrait le concrétiser", explique le batteur Sid. "C'est le son de notre situation actuelle."
De retour aux studios Eve de Stockport où le groupe a cuisiné ensemble, est allé nager, s'est promené et s'est détendu dans les ondes sonores d'un bain de gong occasionnel, Henry, Sid et Esme ont appelé une réunion de famille sous la surveillance vigilante du chat de studio, Adam (« Il était probablement producteur dans une vie passée », disent-ils). Avec le keyman Alex ajoutant maintenant de la texture grâce à son savoir-faire de formation classique, ils ont rejoint l'ingénieur Joel et la productrice Marta Salogni (Liars, Björk, The Moonlandingz) dont la vaste expertise des drones, des retards et des effets fous était si intrinsèque à leur Disco Volador vision - esquissé par le groupe dans Sharpie doodles sur le mur du studio. «Marta est tellement positive qu'elle a un excellent moyen de tirer le meilleur parti de nous», raconte le guitariste Henry. «Marta est la 5e Orielle», affirme Sid. "Parce que nous avions travaillé ensemble auparavant, nous étions encore plus serrés; c'est un état d'esprit partagé. " Pour Marta, le sentiment est réciproque; "C'est vraiment du rangement sonore, le groupe fait juste son truc et je travaille avec ça." Construit à partir d’instruments autour du concept de «boogie vers l’espace, de l’espace vers le boogie», l’énergie du Disco Volador provient de la fission mélodique de la tension et du relâchement. Des motifs récurrents explorent l’espace, non seulement de l’atmosphère céleste de la Terre, mais aussi ce qui se passe dans les espaces et comment la manipulation du son a le pouvoir de transporter ou de déplacer son auditeur. "Nous aimons lancer de larges boules de courbe en prenant la musique dans un endroit différent, puis en revenant en arrière ... comme sauter", explique Henry. "Jez d'ACR nous a enseigné les pauses et c'est énorme sur ce disque; l'espace peut être la plus belle partie d'une chanson. " En fait, en libérant la tension avec leur propre dispersion de bruit ésotérique par le biais de la pédalerie à retardement, les poétiques superposées sur `` Alors que les fleurs regardent '' et `` Mémoires de la stylistique du saxophone de Miso (prêté par le groupe de Glasgow Lylo's Iain McCall), comblant les vides est exactement ce qui donne à l'album sa magie. «Ces moments imprévus sont formidables», dit Sid, «les erreurs peuvent devenir quelque chose de spécial. Pour ces prochains spectacles, nous devrons tellement changer nos spécifications techniques! »
Parfois obsédante et troublante, la structure cinématographique de Disco Volador passe du fait à la fiction. Ses contes sont extraits de la vie éveillée aussi facilement qu'ils deviennent une bande sonore pour des séquences de rêve lucides. Regarder le thriller des années 70 inspiré de Foley Berberian Sound Studio pendant l'enregistrement peut expliquer les effets sonores dynamiques de l'album - créés avec la gamme d'instruments d'Eve et le flexatone d'Henry - un cadeau Secret Santa d'Esmé. Les outros de Lynchian capturent l'effroi thématique de l'album alors qu'ils tournent vers l'infini et ouvrent la voie à des boucles potentielles, imitant les fondus entre les chansons des DJ sets d'été du groupe. Les rêves inspirés par Brian Eno d'une mission propulsée par une fusée peuvent ou non avoir inspiré «Rapid» ou «Come Down On Jupiter» après que les idées se soient enfoncées plus profondément dans leur subconscient. «J'avais lu sur la phénoménologie et les idées de l'écrivain tchécoslovaque Milan Kundera sur l'existence; le poids de votre propre corps, ce que vous ressentez et comment cela interagit avec votre environnement », suggère Esmée, à l'inspiration possible derrière les paroles. Alors que l’avenir du monde et sa friche cosmique actuelle sont peut-être en suspens, le nouvel album des Orielles a les pieds battant quatre quatre bien nécessaires sur la piste de danse. Bienvenue à Disco Volador; le temps passe vraiment quand vous vous amusez autant.
The National Woodband
The National Wood Band est un groupe Indie Folk. Ses ballades sentent bon le Far West Américain ou encore le Bush Australien.portées par les guitares acoustiques et les slides de dobro, la contrebasse ou encore le banjo. A découvrir en Live.
Datcha Mandala
Dätcha Mandala est un groupe de rock, ils ont effectué plus de 550 concerts dans 10 pays européens, également à New York et à Montréal, partageant la scène avec Les Insus, The Temperance Movement, The Inspector Cluzo, Blues Pills, Shaka Ponk, Hayseed Dixie, Radio Moscou ...
Peuk
Sonikku
Margaret Glaspy
Sur le deuxième album tant attendu de Margaret Glaspy, Devotion, cette jeune artiste très acclamée réaffirme son statut de l'une des auteurs-compositrices-interprètes les plus aiguisées de sa génération tout en réussissant à réinventer audacieusement son son. Elle défie sans crainte les attentes - et les résultats sont exaltants. Rentrant chez elle après près de trois ans sur la route à l'appui de son premier album Emotions and Math 2016 et du suivi EP Born Yesterday, Glaspy était impatiente de se mettre au défi en tant qu'artiste et de commencer à faire un nouvel album avec une ardoise esthétique propre . Son audacieuse expérimentation a porté ses fruits, avec des airs qui sont ses plus mélodiquement confiants, rythmiquement convaincants et souvent incroyablement romantiques. Les arrangements sont parfois luxuriants de manière inattendue, en particulier sur le flamboyant "Heartbreak", et offrent souvent un groove impressionnant, sur des pistes telles que "You’ve got my number" et la chanson titre, "Devotion". Glaspy annonce son approche radicale au tout début de Devotion, où des voix modifiées numériquement servent de prélude à «Killing What Keeps Us Alive», et elle remplit l'album de touches sonores surprenantes, jusqu'au paysage sonore envoûtant de l'électronique et de la voix de l'album plus proche "Consequence". Pour Glaspy, la dévotion concerne davantage l'évolution que la transformation totale. La personnalité distinctive qui a marqué les émotions et les mathématiques est encore très présente ici. À ses débuts, Glaspy pourrait être franchement directe en racontant les épreuves d'être seule ou les tribulations d'être ensemble. Elle a apporté de la fanfaronnade, ainsi que de la sensibilité, à ses paroles et à ses performances. Sur Devotion, elle le fait toujours, mais son point de vue a changé: "Ce disque est très différent du précédent. Il ne s'agit pas d'être juste ou omniscient, il s'agit de laisser l'amour entrer même si vous ne savez pas ce qui se passera lorsque vous Il s'agit de consacrer son cœur à quelqu'un ou à quelque chose, contre toute attente. "
Glaspy a fait des tournées aux États-Unis, au Canada, en Europe, en Chine et en Australie derrière Emotions & Math, y compris des dates avec Wilco et The Lumineers entre autres - elle est également apparue sur Tiny Desk de NPR, CBS Saturday Morning et CONAN. Se retrouvant dans son appartement à Brooklyn après tous ses voyages, Glaspy admet: «Ce fut un tel changement pour moi que je ne savais pas quoi faire de moi-même quand j'ai fermé ce chapitre. Je me sentais assez timide. J'aime être seul et je côtoyais constamment des gens depuis deux ou trois ans d'affilée. J'ai pris une longue inspiration, en me réorientant, en essayant de trouver ma place pour m'inspirer et m'exciter à l'idée de refaire des disques. »
Glaspy a recruté le producteur et multi-instrumentiste basé à Los Angeles, Tyler Chester, qui a collaboré avec Blake Mills et Jackson Browne, entre autres, pour produire Devotion - enregistré à Atomic Sound à Red Hook, Brooklyn, où ils ont fait l'essentiel de l'album. Comme le note Glaspy, «Tyler et moi nous sommes révélés être un très bon match en studio. J'adore être très actif avec mes disques et il était une force de la nature sans restreindre mon sens de ce que devrait être le disque. Son instinct et sa capacité sont vraiment inspirants. "Ils ont fait appel au batteur en tournée de Glaspy, Tim Kuhl, pour compléter le tableau avec son sens brillant et austère du kit associé à la programmation de Chester. Mark Goodell, ingénieur basé à Brooklyn, a capturé ces performances magistralement et James Krausse (Los Angeles) a mélangé Devotion d'une manière que Margaret dit, «elle a toujours imaginé que sa musique ressemblait à ça.» «Cela a été incroyable de pouvoir m'étirer», dit-elle, «de ne pas me définir uniquement par la musique que je fais, mais de suivre mon nez vers tout ce qui me rend heureuse.» Un bon exemple: Glaspy s'est enrôlée dans l'enseignement à distance à l'Université de Harvard pour réaliser son rêve de faire des études en dehors de la musique: «Embrasser le fait d'être étudiante m'a fait me sentir à nouveau comme un enfant et je pense que cela a contribué à propulser ma musique vers l'avant afin beaucoup plus. Mon cerveau se sent heureux. " La dévotion est donc comme une série de leçons de vie durement gagnées. L'évolution de Glaspy au cours des dernières années a été à la fois musicale et personnelle, ce qui rend l'album d'autant plus convaincant: «J'apprends que la vie est douloureuse mais vous prenez le mal avec le bien; cet amour est dur mais si vous aimez quelqu'un, vous vous rendez disponible; cette vie est courte et c'est bien d'être sincère. Je commence à pouvoir écrire sur ces choses et c'est un exploit pour moi en tant qu'artiste et une croissance pour moi en tant que personne. "
Enter Shikari
Enter Shikari est un groupe de St Albans, en Angleterre.
Keep Dancing Inc
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